En las sociedades dominadas por las condiciones modernas de producción, la vida se presenta como una inmensa acumulación de espectáculos. Todo lo que se vivió directamente se ha reducido a una representación, exposición del artista sueco Micael Norberg, dentro del plan Z

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En las sociedades dominadas por las condiciones modernas de producción, la vida se presenta como una inmensa acumulación de espectáculos. Todo lo que se vivió directamente se ha reducido a una representación, es el título de exposición del artista y profesor de la Universidad de Umea (Suecia) Micael Norberg, que ha tenido lugar desde el 29 de noviembre en la sala EspaciØ.

La muestra de Micael Norberg se inscribe dentro del Proyecto Plan Z, que forma parte del Plan de internacionalización de la Facultad de Bellas Artes de Altea de la UMH. Este proyecto muestra la obra de artistas, profesores y estudiantes de escuelas de arte extranjeras a los estudiantes del Campus de Altea y al público en general. El Proyecto Plan Z se caracteriza por el hecho de que las obras exhibidas tienen un soporte replicable o reproducible a partir de formatos digitales, de modo que no es necesario el transporte de las obras y los proyectos pueden montarse incluso sin la necesidad del autor. Así mismo se trata de proyectos de corta duración, en algunos casos, como en esta ocasión, reducidos a la inauguración y cuya pervivencia se recogerá en esta web del Campus de Altea y en una futura publicación que recogerá todos los proyectos.

El propio artista escribió unas líneas explicativas a propósito de este trabajo:

En “Alicia en el País de las Maravillas” de Lewis Carroll, Alicia se halló a sí misma en unacarrera con la Reina Roja. Después de correr un rato, observó perpleja que permanecía siempre el mismo lugar. “Bueno, en mi país —dijo Alicia, jadeando todavía un poco— si corres muy rápido durante mucho tiempo, como hemos estado haciendo, normalmente llegarías a otro lugar”. “¡Una país bastante lento!” —respondió la reina—Mira, aquí, como ves, se necesita correr con todas tus fuerzas para mantenerte en el mismo lugar. ¡Si quieres ir a otro sitio, debes correr al menos el doble de rápido!”.

En las sociedades dominadas por las condiciones modernas de producción, la vida se presenta como una inmensa acumulación de espectáculos. Todo lo que se vivió directamente se ha reducido a una representación es un vídeo monocanal, de 07.20 minutos, basado en una cita de Guy Debord de su libro La sociedad del espectáculo. Representa la lucha entre el hombre y la naturaleza y cómo la descripción del reino de la Reina Roja realizada por Lewis Carroll señala la condición de la propia sociedad y el estado de nuestro tiempo presente.

Location in Time, exposición del colectivo británico brook and black, dentro del Plan Z,

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Location in Time  es el título de exposición del colectivo británico brook and black, compuesto por Tiffany Black (artista y profesora de la Oxford Brookes University) y Leona Brook, que colabora con Regent´s University y Camberwell College of Arts, que ha tenido lugar desde el 22 de noviembre en la sala EspaciØ.

La muestra de brook and black se inscribe dentro del Proyecto Plan Z, que forma parte del Plan de internacionalización de la Facultad de Bellas Artes de Altea de la UMH. Este proyecto muestra la obra de artistas, profesores y estudiantes de escuelas de arte extranjeras a los estudiantes del Campus de Altea y al público en general. El Proyecto Plan Z se caracteriza por el hecho de que las obras exhibidas tienen un soporte replicable o reproducible a partir de formatos digitales, de modo que no es necesario el transporte de las obras y los proyectos pueden montarse incluso sin la necesidad del autor. Así mismo se trata de proyectos de corta duración, en algunos casos, como en esta ocasión, reducidos a la inauguración y cuya pervivencia se recogerá en esta web del Campus de Altea y en una futura publicación que recogerá todos los proyectos.

Las artistas han escrito estas líneas explicativas a propósito de este trabajo:

Nuestra experiencia humana está cada vez más mediada por la tecnología hasta el punto de que ahora tenemos vidas en línea y fuera de línea, perfiles de avatares y personalidades. Mientras que las tecnologías creativas más antiguas y lentas nos acercaban más al proceso de un presente físico; frente a una pantalla u ordenador portátil, nuestros pensamientos se proyectan en un espacio sin cuerpo, infinito, de imágenes y eventos que cambian sin cesar. La ansiedad existencial que resulta de nuestros intentos de reconciliar estos dos modos de vida apenas comienza a sentirse. Por ejemplo, con el elevado número trastornos de salud mental en los jóvenes y la sensación de enajenamiento de muchas personas mayores.

Este trabajo aborda el encuentro de estas dos realidades, proyectadas una contra la otra en el espacio de la galería. La primera proyección de vídeo es un dibujo de un lugar, una imagen fija hecha con tinta y papel, una línea de pensamiento. Es el resultado de la contemplación, la observación y una conclusión extraída de un período de concentración prolongada. La segunda proyección es de cinco secuencias de video de cinco viajes, obtenidos de forma casi aleatoria de internet, que representan las referencias dispersas a nivel mundial que se acumulan en un mundo espejo cargado y compartido on-line. El marco suspendido define un espacio donde ambas versiones de un lugar y un tiempo se encuentran; en vez de superponerse una sobre la otra, aquí se encuentran desde el lado opuesto, se encuentran una contra la otra, convergiendo en la delgada membrana del película de proyección.

Cierto carácter antropomórfico de los proyectores, apoyados en sus soportes, crea una resonancia con la práctica de las artistas, dos mentes creativas separadas que trabajan en contra y entre sí, cada una aportando su energía, ideas y perspectiva. brook & black han trabajado juntas desde 2003 y continúan negociando, creando y soñando trabajos que ni hubieran querido ni podido crear por separado. En su trabajo a lo largo de los años exploran con frecuencia la interacción de lo físico y lo digital. A menudo yuxtaponen los elementos arquitectónicos, escultóricos y físicos con el vídeo, la proyección y el sonido, activando el espacio entre ellos para permitir al público hacer nuevas conexiones de narrativa y emoción.

Hesitations, exposición de la artista canadiense Emily Hermant, dentro del Plan Z.

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Hesitations (Altea /Vancouver) es el título de la performance y exposición del artista y profesor de la Emily Carr University or Art + Design (Canadá) Emily Hermant, que ha tenido lugar desde el 9 de noviembre en la sala EspaciØ.

La muestra de Emily Hermant se inscribe dentro del Proyecto Plan Z, que forma parte del Plan de internacionalización de la Facultad de Bellas Artes de Altea de la UMH. Este proyecto muestra la obra de artistas, profesores y estudiantes de escuelas de arte extranjeras a los estudiantes del Campus de Altea y al público en general. El Proyecto Plan Z se caracteriza por el hecho de que las obras exhibidas tienen un soporte replicable o reproducible a partir de formatos digitales, de modo que no es necesario el transporte de las obras y los proyectos pueden montarse incluso sin la necesidad del autor. Así mismo se trata de proyectos de corta duración, en algunos casos, como en esta ocasión, reducidos a la inauguración y cuya pervivencia se recogerá en esta web del Campus de Altea y en una futura publicación que recogerá todos los proyectos.

La propia artista escribió unas líneas explicativas a propósito de este trabajo:

Hesitations (Altea /Vancouver) es un trabajo de audio y video que entrelazará la visión, el sonido y la creación de la Emily Carr University of Art + Design en Vancouver y la Universidad Miguel Hernández de Elche en Altea. Se usarán extractos de audio de grabaciones de sonido realizadas en Altea como plantillas para el diseño de un trabajo hecho a base de hilo que será construido materialmente en Emily Carr. La realización material de este trabajo se grabará en video y audio. La grabación de video, junto con los archivos de sonido de Altea y los archivos de sonido de Vancouver, se convertirán en la base del video y audio que se exhibirá en Altea.

Hesitations (Altea /Vancouver) se basa en una instalación anterior llamada Hesitations, en la que utilicé hilo, línea y sonido para transformar pausas, vacilaciones y fallas comunicativas extraídas de grabaciones de conversaciones íntimas en un entorno envolvente que consistía en formas materiales enormes y delicadamente trazadas. Tomados en conjunto, los materiales y elementos relacionados de la pieza transmiten el absurdo, la posibilidad y la imposibilidad de los procesos íntimos comunicativos.

End to Development, exposición del artista sueco Carl-Erik Engqvist, dentro del PLAN Z

Carl-Erik Engqvist / HUMlab, de la Universidad de Umea (Suecia) / End to Development /23 de noviembre de 2016

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End to Development es el título de la exposición del artista y director artístico de HUMlab, de la Universidad de Umea (Suecia) Carl-Erik Engqvist, que ha tenido lugar desde el 23 de noviembre en la sala EspaciØ. La reciente apertura de esta sala, ubicada en el Palau de Altea, se enmarca dentro de la colaboración entre el Ayuntamiento de Altea y la Universidad Miguel Hernández (UMH) para el uso de este espacio expositivo en el contexto de las actividades de docencia e investigación del campus de Altea de la UMH. La muestra de Engqvist es la tercera organizada dentro del Proyecto Plan Z, que forma parte del Plan de internacionalización de la Facultad de Bellas Artes de Altea de la UMH.

Este proyecto muestra la obra de artistas, profesores y estudiantes de escuelas de arte extranjeras a los estudiantes del Campus de Altea y al público en general. El Proyecto Plan Z se caracteriza por el hecho de que las obras exhibidas tienen un soporte replicable o reproducible a partir de formatos digitales, de modo que no es necesario el transporte de las obras y los proyectos pueden montarse incluso sin la necesidad del autor. Así mismo se trata de proyectos de corta duración, en algunos casos, como en esta ocasión, reducidos a la inauguración y cuya pervivencia se recogerá en esta web del Campus de Altea y en una futura publicación que recogerá todos los proyectos.

Esta muestra es la primera individual que Engqvist realiza en España. El propio artista escribió unas líneas explicativas a propósito de este trabajo:

“End to Development (Fin del desarrollo) es una juego de ordenador donde el jugador se sumerge en algunos de mis poemas en un vacío de ensueño, un lugar situado entre existencias, donde lo inferior es lo superior. Los poemas basados en rótulos estáticos investigan temas mundanos, y los móviles que te persiguen examinan perspectivas más espirituales. No obstante hay que estar alerta ya que hay 1 oportunidad de 5, cada 30 segundos, de que la Muerte aparezca y te aparte de explorar más allá en este reino de status quo. End to Development juega con las estructuras en bucle de los juegos de ordenador y sitúa un filtro existencial en el juego”.

Juego de la videoinstalación descargable en: http://www.visionaryexistence.com/end-development

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http://www.visionaryexistence.com/

Work for Readers and Writers, exposición del artista y profesor británico Simon Lewandowski, dentro del PLAN Z

Simon Lewandowski / Universidad de Leeds (Reino Unido) / Work for Readers and Writers / 15 de noviembre de 2016

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Work for Readers and Writers es el título de la performance y exposición del artista y profesor de la Universidad de Leeds (Reino Unido) Simon Lewandowski, que ha tenido lugar desde el 15 de noviembre en la sala EspaciØ.

La reciente apertura de esta sala, ubicada en el Palau de Altea, se enmarca dentro de la colaboración entre el Ayuntamiento de Altea y la Universidad Miguel Hernández (UMH) para el uso de este espacio expositivo en el contexto de las actividades de docencia e investigación del campus de Altea de la UMH.

La muestra de Lewandowski es la segunda organizada dentro del Proyecto Plan Z, que forma parte del Plan de internacionalización de la Facultad de Bellas Artes de Altea de la UMH. Este proyecto muestra la obra de artistas, profesores y estudiantes de escuelas de arte extranjeras a los estudiantes del Campus de Altea y al público en general. El Proyecto Plan Z se caracteriza por el hecho de que las obras exhibidas tienen un soporte replicable o reproducible a partir de formatos digitales, de modo que no es necesario el transporte de las obras y los proyectos pueden montarse incluso sin la necesidad del autor. Así mismo se trata de proyectos de corta duración, en algunos casos, como en esta ocasión, reducidos a la inauguración y cuya pervivencia se recogerá en esta web del Campus de Altea y en una futura publicación que recogerá todos los proyectos.

La exposición ha comenzado con una performance del mencionado artista, de reconocido prestigio en Reino Unido, junto a estudiantes del Campus de Altea. Una vez concluida la performance, los materiales de la misma han continuado en la sala, y se les ha incorporado un monitor donde se muestra dicha performance en formato video. Esta muestra es su primera en España. El propio artista escribió unas líneas explicativas a propósito de este trabajo:

“Work for Readers and Writers (Trabajo para lectores y escritores) reúne tres ideas / sistemas / tropos en torno a los cuales he construido trabajos performativos procedimentales en el pasado.

En primer lugar éste tomó como uno de sus puntos de partida la Máquina de Turing, o más específicamente ese experimento de pensamiento en el que hipotéticamente se usa una cinta de papel continua dividida en celdas. La máquina coloca su cabeza sobre una celda y “lee” el símbolo que contiene. Entonces la máquina escribe un símbolo en la celda, borra el que encuentra o realiza otra acción predeterminada -en nuestro caso, se ofrecieron opciones para leer en alto, escribir o borrar, y cada lector participante constituyó una “cabeza de lectura” y el papel frente a ellos una “celda”.

En segundo lugar, nos acercamos hacia la rica historia de la Partitura Gráfica en la música experimental del siglo XX, tal como lo utilizan Penderecki, Cage, Stockhausen, Cardew y los artistas de Fluxus, entre otros. Para esta obra la puntuación gráfica se hizo más dinámica e interactiva a través del modelo procedimental de la Máquina de Turing; la partitura fue generada y alterada en un proceso de improvisación utilizando el modelo de procedimiento de lectura / escritura / borrado.

Finalmente se planteó la idea de una Lectura Coral o en Ensemble, una idea normalmente más asociada con la alfabetización en escuelas primarias o con oscuras competiciones de locución; pero que, dirigida creativamente, puede impregnar un texto recitado con una rica musicalidad. Los participantes / ejecutantes generaron su texto para una lectura coral contrapuntística en la sesión del taller de improvisación, primero pasando la cinta de papel en blanco alrededor del grupo y probando una serie de reglas autogeneradas – la elección de lectura / escritura / borrado y otras reglas basadas en temas y cuestiones, sonoridad, ritmo y musicalidad, hasta que surgió un conjunto claro de parámetros para un texto satisfactoriamente “performativo”.

Llevé, además de la cinta de papel, un improvisado “metrónomo visual” para establecer el ritmo de los lectores -era una bombilla incandescente encendida y apagada por un microinterruptor disparado por una rueda de leva girada por un pequeño motor eléctrico -la luz se encendió y apagó en una secuencia ligeramente irregular. Los estudiantes improvisaron para el metrónomo un soporte a partir de dos sillas, algunas maderas de desecho y unas cuantas pinzas. No lo toqué en ningún momento, pero parecía una obra mía … ¿cómo era posible? Parece implicar que, en algún nivel no tenemos nosotros las ideas, las ideas nos tienen.

La forma de la performance final también fue determinada por los participantes -en un momento acordado tomaron sus posiciones, de pie en un círculo y leyeron el texto, el ritmo controlado por la luz intermitente que también proporcionó la única iluminación disponible para leer; comenzaron con una sola voz, luego dos y así sucesivamente hasta que todos hablaban, hasta que la palabra final -un grito animal inarticulado- llegó a la última persona. Dejaron la cinta donde estaba y se marcharon, completando el trabajo. Ahora es suyo tanto como mío”.

http://www.simonlewandowski.co.uk/

Song for My Father, exposición del artista y profesor canadiense Daniel Laskarin, dentro del PLAN Z

Daniel Laskarin / Universidad de Victoria (Canadá) / Song for My Father / EspaciØ, Altea / 9 de noviembre de 2016

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La exposición Song for My Father del artista canadiense y profesor de la Universidad de Victoria, Daniel Laskarin, ha inaugurado el día 9 de noviembre el proyecto Plan Z que forma parte del Plan de internacionalización de la Facultad de Bellas Artes de Altea, dentro de un programa que mostrará la obra de artistas, profesores y estudiantes, de escuelas de arte extranjeras.

El Proyecto Plan Z se caracteriza por el hecho de que las obras exhibidas tienen un soporte replicable o reproducible a partir de formatos digitales, de modo que no es necesario el transporte de las obras y los proyectos pueden montarse incluso sin la necesidad del autor. Así mismo se trata de proyectos de corta duración, en algunos casos, como en esta ocasión, reducidos a la inauguración y cuya pervivencia se recogerá en la página web del Campus de Altea y en una futura publicación que recogerá todos los proyectos.

Así mismo, la exposición ha inaugurado EspaciØ, situado en el Palau de Altea, gracias a la colaboración entre el Ayuntamiento de Altea y la Universidad Miguel Hernández de Elche para el uso de este espacio expositivo en el contexto de las actividades de docencia e investigación del Campus de Altea.

La exposición muestra una videoinstalación del mencionado escultor, de reconocido prestigio en Canadá y en el noroeste de USA, que expone por primera vez en España con esta muestra. El propio artista escribió unas líneas explicativas a propósito de este trabajo:

“Song for my father (Canción para mi padre) reúne dos vídeos en bucle bajo una sola pista de sonido. El sonido, una lenta inhalación y exhalación, es generado por el acordeón silenciado que toco en uno de los dos vídeos; el sonido es como el de la respiración. Se sincronizó con las oscilaciones del puente en el segundo vídeo01-Daniel-Laskarin-03 –metraje del puente Tacoma Narrows, momentos antes de su colapso en 1940-.

Este proyecto comenzó con esa película del puente Tacoma Narrows: el metraje de unos segundos antes de su caída catastrófica se amplió en un vídeo sin fin. El trabajo tomó ese breve momento y lo estiró, de modo que su tiempo pudiera extenderse un poco para permitirnos sumergirnos en su duración. La segunda parte de este proyecto surgió de una pieza de performance en la que tocaba el acordeón silenciado durante un período de cinco horas en honor a la vida y muerte de mi padre, acaecida varios años atrás. El vídeo de esta interpretación fue extraído de una segunda puesta en escena de la performance original, y también fue ampliado en un bucle sin fin. 01-Daniel-Laskarin-02

Juntos, los dos bucles de vídeo ofrecen un momento, un evento singular, extendido sin fin. El momento se suspende justo antes de la catástrofe: la caída del puente, el cese de la respiración de mi padre. Es el momento en que todas las cosas –al borde de un final, al límite de un giro hacia una existencia diferente- son puestas en cuestión, o se convierten en posibles. Los videos, proyectados a una escala muy pequeña, siendo su hardware de soporte casi más visible que las imágenes, son íntimos; el sonido llena el espacio, creando un puente que cruza la distancia entre las imágenes, manteniéndolas en suspensión, fijándolas al espacio y al tiempo durante el mayor tiempo posible.

El trabajo honra a mi padre, que murió hace años, que sufrió numerosos problemas de salud, y cuya propia respiración a menudo parecía estar enfrentándose a un fin inmanente. Por fin lo hizo, por supuesto, pero hubo algo enormemente importante entre nosotros justo antes de su muerte. En ese sentido la obra celebra su vida, su aliento, y los acontecimientos anteriores a su fin”.

http://www.laskarin.ca/