CONFERENCIA DE MICAEL NORBERG, ARTISTA Y PROFESOR DE LA UNIVERSIDAD DE UMEA (SUECIA)

Micael Norberg

En su conferencia How can one think freely in the shadow of a chapel?, Norberg comienza afirmando que el arte tiene una influencia directa en la sociedad en muchos aspectos y niveles, incluso aunque no nos demos cuenta; y de ahí deriva al concepto de revolución, tanto en su acepción social como en la científica, relacionada con el giro alrededor de un lugar dado. Tomando como ejemplo el Gregor de La metamorfosis de Kafka, en el que el cambio del protagonista conlleva como consecuencia un cambio de su familia, Norberg alude a que el arte implica un cambio, tanto para el espectador como para el propio artista. Todo cambio es una oportunidad y, tal como percibe el propio Gregor, todo es posible. Estas conclusiones son fundamentales para un artista.

Micael Norberg revisa sus obras y recalca la importancia de hechos y conceptos como cambio, inestabilidad, caducidad; la Internacional Situacionista, Mayo del 68 en París y otros lugares, la Sociedad del Espectáculo, la Revolución Francesa; la agobiante demanda de esfuerzo que exige nuestra sociedad, la vida líquida de Zygmunt Bauman, el miedo a ser olvidado o dejado atrás; el tipo de conocimiento que puede producir el arte; la meditación y el cambio de valores; el tatuaje y la experiencia física de ser tatuado; frustación, educación artística, etc.

En las sociedades dominadas por las condiciones modernas de producción, la vida se presenta como una inmensa acumulación de espectáculos. Todo lo que se vivió directamente se ha reducido a una representación, exposición del artista sueco Micael Norberg, dentro del plan Z

NORBERG02+

En las sociedades dominadas por las condiciones modernas de producción, la vida se presenta como una inmensa acumulación de espectáculos. Todo lo que se vivió directamente se ha reducido a una representación, es el título de exposición del artista y profesor de la Universidad de Umea (Suecia) Micael Norberg, que ha tenido lugar desde el 29 de noviembre en la sala EspaciØ.

La muestra de Micael Norberg se inscribe dentro del Proyecto Plan Z, que forma parte del Plan de internacionalización de la Facultad de Bellas Artes de Altea de la UMH. Este proyecto muestra la obra de artistas, profesores y estudiantes de escuelas de arte extranjeras a los estudiantes del Campus de Altea y al público en general. El Proyecto Plan Z se caracteriza por el hecho de que las obras exhibidas tienen un soporte replicable o reproducible a partir de formatos digitales, de modo que no es necesario el transporte de las obras y los proyectos pueden montarse incluso sin la necesidad del autor. Así mismo se trata de proyectos de corta duración, en algunos casos, como en esta ocasión, reducidos a la inauguración y cuya pervivencia se recogerá en esta web del Campus de Altea y en una futura publicación que recogerá todos los proyectos.

El propio artista escribió unas líneas explicativas a propósito de este trabajo:

En “Alicia en el País de las Maravillas” de Lewis Carroll, Alicia se halló a sí misma en unacarrera con la Reina Roja. Después de correr un rato, observó perpleja que permanecía siempre el mismo lugar. “Bueno, en mi país —dijo Alicia, jadeando todavía un poco— si corres muy rápido durante mucho tiempo, como hemos estado haciendo, normalmente llegarías a otro lugar”. “¡Una país bastante lento!” —respondió la reina—Mira, aquí, como ves, se necesita correr con todas tus fuerzas para mantenerte en el mismo lugar. ¡Si quieres ir a otro sitio, debes correr al menos el doble de rápido!”.

En las sociedades dominadas por las condiciones modernas de producción, la vida se presenta como una inmensa acumulación de espectáculos. Todo lo que se vivió directamente se ha reducido a una representación es un vídeo monocanal, de 07.20 minutos, basado en una cita de Guy Debord de su libro La sociedad del espectáculo. Representa la lucha entre el hombre y la naturaleza y cómo la descripción del reino de la Reina Roja realizada por Lewis Carroll señala la condición de la propia sociedad y el estado de nuestro tiempo presente.

CONFERENCIA DE TIFFANY BLACK, MIEMBRO DEL COLECTIVO ARTÍSTICO BROOK AND BLACK Y PROFESORA DE OXFORD BROOKES UNIVERSITY

Tiffany Black (2)

Tiffany Black dedica en su conferencia ‘Re-negotiating time and place’ exemplified in the work of brook & black a hacer un recorrido por el trabajo de brook and black, el colectivo artístico en el que desarrolla toda su obra creativa, en colaboración con la artista Leora Brook. A modo de introducción señala las diferencias entre la obra que se realiza en el estudio y los trabajos de encargo que han realizado para distintas instituciones, en los que deben ajustarse a fechas de entrega y presupuestos. Black incide especialmente en cómo en este tipo de trabajo se trabaja con los lugares y espacios concretos relacionados con las instituciones.

A modo de ejemplo, la artista muestra los trabajos que han realizado para cinco museos,  en la Universidad de Greenwich, la Wallace Collection, ambos en Londres; el River & Rowing Museum en Henley-on-Thames, Oxfordshire; el Ashmolean Museum, en Oxford, todos ellos en Reino Unido, y el Musée Toulouse-Lautrec en Albi, Francia.

La conferencia concluye con una reflexión sobre el papel del artista contemporáneo y su interacción con las instituciones donde trabajan, las expectativas de los visitantes de los museos, cómo las obras de arte contemporáneo activan la calma habitual del espacio de arte anterior donde se alojan.

Location in Time, exposición del colectivo británico brook and black, dentro del Plan Z,

B-B-foto-primera+

Location in Time  es el título de exposición del colectivo británico brook and black, compuesto por Tiffany Black (artista y profesora de la Oxford Brookes University) y Leona Brook, que colabora con Regent´s University y Camberwell College of Arts, que ha tenido lugar desde el 22 de noviembre en la sala EspaciØ.

La muestra de brook and black se inscribe dentro del Proyecto Plan Z, que forma parte del Plan de internacionalización de la Facultad de Bellas Artes de Altea de la UMH. Este proyecto muestra la obra de artistas, profesores y estudiantes de escuelas de arte extranjeras a los estudiantes del Campus de Altea y al público en general. El Proyecto Plan Z se caracteriza por el hecho de que las obras exhibidas tienen un soporte replicable o reproducible a partir de formatos digitales, de modo que no es necesario el transporte de las obras y los proyectos pueden montarse incluso sin la necesidad del autor. Así mismo se trata de proyectos de corta duración, en algunos casos, como en esta ocasión, reducidos a la inauguración y cuya pervivencia se recogerá en esta web del Campus de Altea y en una futura publicación que recogerá todos los proyectos.

Las artistas han escrito estas líneas explicativas a propósito de este trabajo:

Nuestra experiencia humana está cada vez más mediada por la tecnología hasta el punto de que ahora tenemos vidas en línea y fuera de línea, perfiles de avatares y personalidades. Mientras que las tecnologías creativas más antiguas y lentas nos acercaban más al proceso de un presente físico; frente a una pantalla u ordenador portátil, nuestros pensamientos se proyectan en un espacio sin cuerpo, infinito, de imágenes y eventos que cambian sin cesar. La ansiedad existencial que resulta de nuestros intentos de reconciliar estos dos modos de vida apenas comienza a sentirse. Por ejemplo, con el elevado número trastornos de salud mental en los jóvenes y la sensación de enajenamiento de muchas personas mayores.

Este trabajo aborda el encuentro de estas dos realidades, proyectadas una contra la otra en el espacio de la galería. La primera proyección de vídeo es un dibujo de un lugar, una imagen fija hecha con tinta y papel, una línea de pensamiento. Es el resultado de la contemplación, la observación y una conclusión extraída de un período de concentración prolongada. La segunda proyección es de cinco secuencias de video de cinco viajes, obtenidos de forma casi aleatoria de internet, que representan las referencias dispersas a nivel mundial que se acumulan en un mundo espejo cargado y compartido on-line. El marco suspendido define un espacio donde ambas versiones de un lugar y un tiempo se encuentran; en vez de superponerse una sobre la otra, aquí se encuentran desde el lado opuesto, se encuentran una contra la otra, convergiendo en la delgada membrana del película de proyección.

Cierto carácter antropomórfico de los proyectores, apoyados en sus soportes, crea una resonancia con la práctica de las artistas, dos mentes creativas separadas que trabajan en contra y entre sí, cada una aportando su energía, ideas y perspectiva. brook & black han trabajado juntas desde 2003 y continúan negociando, creando y soñando trabajos que ni hubieran querido ni podido crear por separado. En su trabajo a lo largo de los años exploran con frecuencia la interacción de lo físico y lo digital. A menudo yuxtaponen los elementos arquitectónicos, escultóricos y físicos con el vídeo, la proyección y el sonido, activando el espacio entre ellos para permitir al público hacer nuevas conexiones de narrativa y emoción.

JOAN FONTCUBERTA. Conferencia inaugural del curso académico del campus de Altea de la UMH 2017 / 2018

El creador, docente, comisario de exposiciones e historiador Joan Fontcuberta impartió la conferencia inaugural del curso académico 2017-2018 del campus de Altea de la Universidad Miguel Hernández (UMH).
El acto académico tuvo lugar el próximo martes, 25 de octubre, a las 20:00 horas, en el Palau de las Artes de Altea. Esta conferencia se enmarca dentro del Plan Estratégico que se lleva a cabo en el campus de Altea de la UMH, que integra la Facultad de Bellas Artes y el Departamento de Arte y que inicia cada curso académico con la conferencia de un profesional relacionado con el ámbito de las Bellas Artes.
El acto estuvo dirigido a los estudiantes de la Facultad de Bellas Artes de la UMH y miembros de la comunidad universitaria, así como a la ciudadanía de Altea y al público en general
Joan Fontcuberta (Barcelona, 1955) ha desarrollado una actividad plural en el mundo de la fotografía como creador, docente, crítico, comisario de exposiciones e historiador. Profesor visitante en universidades de España, Francia, Gran Bretaña y Estados Unidos, colabora con regularidad en publicaciones especializadas.
Autor de una docena de libros de historia y ensayos sobre la fotografía como “El beso de Judas. Fotografía y Verdad” (1997), “Ciencia y Fricción” (1998), “La cámara de Pandora” (2010) y “La furia de las imágenes” (2016). Se han publicado una treintena de monografías sobre su trabajo de creación.
Desde el año 1974, cuando realizó su primera exposición individual en Barcelona, su obra se ha expuesto en museos de todo el mundo (como el MoMA de Nueva York, Art Institute de Chicago, IVAM de Valencia, FOAM de Amsterdam, MEP de París, Science Museum de Londres y ha sido adquirida por numerosas colecciones públicas (como el MET de Nueva York, MACBA de Barcelona, Folkwang Museum de Essen, Centre Pompidou de Paris).
Entre otras distinciones, en 2013 fue galardonado con el Premio Internacional Hasselblad.

El Ayuntamiento de Altea colaboró en la organización del acto con la cesión del Palau de Altea.

Video

Hesitations, exposición de la artista canadiense Emily Hermant, dentro del Plan Z.

Emily-Hermant-expo1+

Hesitations (Altea /Vancouver) es el título de la performance y exposición del artista y profesor de la Emily Carr University or Art + Design (Canadá) Emily Hermant, que ha tenido lugar desde el 9 de noviembre en la sala EspaciØ.

La muestra de Emily Hermant se inscribe dentro del Proyecto Plan Z, que forma parte del Plan de internacionalización de la Facultad de Bellas Artes de Altea de la UMH. Este proyecto muestra la obra de artistas, profesores y estudiantes de escuelas de arte extranjeras a los estudiantes del Campus de Altea y al público en general. El Proyecto Plan Z se caracteriza por el hecho de que las obras exhibidas tienen un soporte replicable o reproducible a partir de formatos digitales, de modo que no es necesario el transporte de las obras y los proyectos pueden montarse incluso sin la necesidad del autor. Así mismo se trata de proyectos de corta duración, en algunos casos, como en esta ocasión, reducidos a la inauguración y cuya pervivencia se recogerá en esta web del Campus de Altea y en una futura publicación que recogerá todos los proyectos.

La propia artista escribió unas líneas explicativas a propósito de este trabajo:

Hesitations (Altea /Vancouver) es un trabajo de audio y video que entrelazará la visión, el sonido y la creación de la Emily Carr University of Art + Design en Vancouver y la Universidad Miguel Hernández de Elche en Altea. Se usarán extractos de audio de grabaciones de sonido realizadas en Altea como plantillas para el diseño de un trabajo hecho a base de hilo que será construido materialmente en Emily Carr. La realización material de este trabajo se grabará en video y audio. La grabación de video, junto con los archivos de sonido de Altea y los archivos de sonido de Vancouver, se convertirán en la base del video y audio que se exhibirá en Altea.

Hesitations (Altea /Vancouver) se basa en una instalación anterior llamada Hesitations, en la que utilicé hilo, línea y sonido para transformar pausas, vacilaciones y fallas comunicativas extraídas de grabaciones de conversaciones íntimas en un entorno envolvente que consistía en formas materiales enormes y delicadamente trazadas. Tomados en conjunto, los materiales y elementos relacionados de la pieza transmiten el absurdo, la posibilidad y la imposibilidad de los procesos íntimos comunicativos.

CONFERENCIA DE LA ARTISTA Y PROFESORA EMILY HERMAND DE LA EMILY CARR UNIVERSITY OR ART + DESIGN (CANADÁ)

Emily Hermant

En su conferencia Materializing time and space, Emily Hermant hace un recorrido por algunas de sus obras de los últimos diez años. Entre ellas, dedica especial atención a las obras de Spatial Drawings, Lies Lies Lies, Transmission, Thumbprints, I Will Bear Witness, Hesitations, y Searching the Starry Sky.

Spatial Drawings es una serie de obras en las que la artista trabaja con maderas duras, como el roble, forzándolas a arquearse y retorcerse, de manera que trazan curvas en el espacio. Las formas recuerdan la evolución de bailarines en el vacío de la galería donde se expone.

Lies Lies Lies es una obra creada a partir de mentiras grabadas por amigos y desconocidos, recopiladas por la artista y bordadas en hilo blanco. La obra tiene otras manifestaciones, como una página web; cabinas donde los visitantes pueden añadir sus propias mentiras a través de un ordenador, editar las que hayan introducido previamente, o revisar la base de datos de todas las mentiras almacenadas.

Transmission es una obra expuesta ante el altar de una iglesia católica en Canadá que muestra el esquema de la banda sonora de una grabación realizada en las proximidades.

Thumbprints recrea a gran escala la huella dactilar de la artista mediante hileras de alfileres clavados en el muro.

I Will Bear Witness, un trabajo realizado para el porche de una casa en Chicago, alude a la situación de esta vivienda situada en un barrio acomodado, pero cercana al límite de una zona deprimida económicamente de población afroamericana.

Hesitations vuelve a representar esquemas de bandas sonoras mediante clavos colocados en el muro e hilo tensado entre clavos, simulando el recorrido de las ondas. En esta ocasión, el sonido corresponde a los breves ruidos sin significado que emiten los hablantes al dudar en su discurso.

Las obras de la exposición Searching the Starry Sky están trazadas mediante cables de colores extraídos de centros de reciclaje de material tecnológico. La vibración del color, la composición y la repetición recuerdan al pulso incesante de las tecnologías contemporáneas de comunicación.